Bien que le texte de théâtre soit écrit, il est d’abord et avant tout conçu pour donner lieu à une représentation devant des spectateurs.
Il est utile de comprendre certains éléments liés à la représentation et au spectacle :
La mise en scène est l’art de transformer un texte de théâtre en spectacle. Le metteur en scène assure les choix par rapport à l’espace scénique, au décor, à la distribution des rôles, au maquillage, aux costumes, aux accessoires, à l’éclairage, à la musique, etc.
Les mises en scène modernes prennent beaucoup plus de latitude par rapport au texte de base. Aujourd’hui, les metteurs en scène n’hésitent pas à modifier le texte en inversant des scènes, en ajoutant ou en enlevant des personnages, en modifiant le genre (une pièce tragique peut être transformée en comédie et vice-versa). La mise en scène est donc très importante, car elle permet des approches et des interprétations variées d'une même pièce de théâtre.
L'espace scénique est l'endroit choisi pour effectuer la représentation officielle du spectacle.
Plusieurs types d’espaces de théâtre existent. Certains metteurs en scène vont choisir un espace plutôt qu’un autre en raison de la taille de la salle, de la proximité entre les acteurs et les spectateurs, des liens possibles entre les acteurs et les spectateurs, etc.
Parmi les espaces scéniques les plus fréquents, on retrouve :
1. La scène à l’italienne (la disposition traditionnelle)
La scène est surélevée et délimitée, les spectateurs sont assis face à cette scène et ont l'impression d'espionner.
2. L’espace frontal
Cet espace scénique est également traditionnel en ce sens qu'il ressemble de près à la scène à l'italienne, à la différence que la scène n’est ni surélevée ni encadrée. La limite entre l’espace des acteurs et l’espace des spectateurs est plus floue, ce qui donne un effet de proximité.
3. L’espace rectangulaire
La disposition du public se fait un peu comme dans l’espace frontal. Toutefois, le public prend place des deux côtés de la scène (les spectateurs voient constamment les autres spectateurs situés de l’autre côté de la scène).
4. L’espace en rond
Le public est placé tout autour de l’espace de jeu, comme au cirque, ce qui donne lieu à des points de vue variés.
- D’autres formes d'espaces scéniques sont possibles. Les metteurs en scène modernes s’appliquent même à réinventer cet espace afin de surprendre le spectateur.
1. Tout ce qui est sur la scène fait partie du décor. Le but premier du décor est de simuler l’endroit où se déroule l’action, de la manière la plus réaliste ou symbolique possible.
2. Les accessoires sont tous les objets manipulés par les acteurs, qu’ils soient mentionnés dans le texte ou non.
Le décor et les accessoires aident à comprendre la pièce, à plonger les spectateurs dans une ambiance. De plus, certains objets peuvent être symboliques ou caractériser un élément.
1. Certains objets sont nécessaires au déroulement de l'action.
2. Ils peuvent être des signes d'une classe sociale, d'une profession, d'aristocratie, de bourgeoisie, d'un moment de l'année ou du jour (ex.: une horloge indiquant l'heure), etc.
3. Ils peuvent indiquer l'époque. ( ex.: un téléphone à cadran)
4. Ils peuvent aussi être des symboles. (ex.: une fiole signifie la vie ou la mort, un banc symbolise l'attente, etc.)
Certains metteurs en scène visent surtout à évoquer un lieu. Dans ce cas, le décor sera minimaliste (très peu d'éléments et d'accessoires contribueront à le rendre concret). Dans plusieurs spectacles, un même décor sert à représenter des lieux différents. Le changement de lieu est alors explicité par des déplacements de certaines parties du décor, par l’ajout ou le retrait d’accessoires. Il peut également arriver que le changement de lieu soit implicite et que le spectateur doive le déduire par lui-même.
Plusieurs facettes de la mise en scène peuvent s’étudier en observant les acteurs sur scène.
Le jeu des acteurs a pour objectif de rendre la pièce plus réaliste, c'est-à-dire de la faire vivre au public. Il permet aussi de concrétiser les émotions des personnages et de les communiquer au public. Les acteurs peuvent le faire rire, le faire pleurer, lui faire ressentir de l'empathie, etc.
Pour bien analyser le jeu des acteurs, il faut observer spécialement les déplacements sur la scène, la gestuelle, la tonalité de la voix, la manière dont les émotions sont véhiculées, les expressions du visage, etc.
Dans la pièce Le Mariage de Figaro, l'acteur qui incarne Figaro a envie de frapper un autre personnage et il est très énervé. Il mime donc avec intensité des gestes qui illustrent son agacement. Ses mouvements saccadés et exagérés démontrent son état d'esprit et font rire le public.
Les éclairagistes prennent le temps de bien planifier l’éclairage d'une représentation théâtrale selon les indications données par le metteur en scène. Pour parvernir à créer l'ambiance désirée, ils choisissent le type de lumière, sa couleur, sa force, sa disposition, etc. Généralement, l’éclairage varie en fonction des scènes et des émotions vécues par les personnages au cours de l’histoire. L’éclairage a une fonction beaucoup plus importante que de mettre en évidence le jeu des acteurs afin qu'il soit bien vu par les spectateurs.
Un éclairage peut à lui seul faire vivre une multitude d'émotions aux spectateurs. Les couleurs chaudes ou froides créent des sentiments différents et complexes. Par exemple, un noir total ou une diffusion lumineuse imprévue servent à ponctuer la pièce. Les lumières aident donc à créer une ambiance feutrée, sombre, joyeuse, etc.
Tout l’environnement sonore d'une pièce de théâtre a également été créé pour accompagner et enrichir certains passages du texte dont la charge émotive ou l'intensité mérite d'être appuyée. L’atmosphère sonore participe également à la création de ce monde fictif dont le public s'imprégnera.
Des effets sonores peuvent servir à reproduire les bruits de la rue ou de la nature, de la musique peut soutenir l'action ou augmenter la tension, etc.
Les effets sonores et la musique peuvent:
1. contribuer à l'action et indiquer certains événements qui se passent hors de la scène
2. indiquer l'heure, la saison ou les conditions météorologiques
3. aider à situer le lieu de l'action
4. créer l'ambiance
5. alimenter les attentes des spectateurs et augmenter le suspense
6. donner des informations sur les personnages
7. souligner le passage à une autre scène
8. faire avancer l'action ou rappeler des moments antérieurs.
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